Chungking Express de Wong Kar-Wai

La película  inicia con la imagen de una ciudad bastante ajetreada. En una barrio donde varios locales atienden a toda la gente que concurre a este lugar. La historia comienza con un oficial de policía, Qiwu, que no puede olvidar a su ex novia y pasa noche a noche esperando por ella. Al final, se termina enamorando de una chica de peluca rubia, quien es una traficante de drogas. Qiwu se dirige hacia un bar donde la conoce, al finalizar la velada él la lleva a un hotel. Al día siguiente él se va y después de correr recibe un mensaje de cumpleaños de ella. En esta primera línea, las imágenes son típicas de la ciudad de Hong Kong, los pubs y restaurantes. La música que suena tiene sonidos electrónicos, a más de un toque de reggae en un punto de la película.

La historia se divide en dos partes cuando Qiwu conoce a Faye, en el Midnight Express. Este es el punto de conexión entre las dos líneas, ya que ambos oficiales, Qiwu y el agente 663 frecuentan el lugar y ambos gustan de la ensalada del chef. En la segunda línea de la película se nota claramente que se sigue desarrollando en la ciudad de Hong Kong. Aquí Faye se enamora del oficial, quien de igual manera no logra superar el abandono de su antigua novia. Faye es una chica súper soñadora, y a lo largo de esta parte se puede escuhar "California dreamin’" de "The Mamas and the Papas". Esta canción era su favorita, ya que refleja su deseo de viajar a California y cumplir su sueño, estar en un lugar soleado donde no llueva tanto. Faye se acerca más al oficial 663 y logra infiltrarse en su departamento y lo remodela. El oficial lo descubre, pero no se molesta porque también siente algo por ella. Al final, él le pide una cita, pero Faye decide ir a California y vuelve después de una año y encuentra todo cambiado, pero menos al oficial quien sigue interesado en ella.

La película se filma en los años 90 y se puede notar en su producción.la calidad de la imagen no es tan nítida y la resolución no es tan alta. Aún se da la existencia de teléfonos públicos con rueda, y los celulares no son populares. La vestimenta y estilo es propio de la década.     

Salvador Dalí

Nació en Figueras España en 1904 y muere el 23 de Enero de 1989. Fue uno de los máximos representantes del surrealismo. Incursionó en la pintura, escultura grabado, fotografía, cine, teatro y arquitectura.  Es reconocido como un artista contemporáneo, debido a los temas que abordó en sus trabajos, como el psicoanálisis y los sueños.

En 1914, se inicia en la pintura y en 1928, se dieron a conocer sus primeros cuadros surrealistas. En 1932, participó en la primera exposición surrealista de Estados Unidos. En 1939, se da la ruptura de Dalí del grupo surrealista. Cuando el rey Juan Carlos I le concedió el título de Marqués de Púbol, pintó la Cabeza de Europa, como agradecimiento. Este fue su último dibujo.

Del Capricho al Disparate:

Los Caprichos son grabados calcográficos, se emplea la técnica de la serigrafía. Es una combinación de aguafuerte y agua tinta. El aguafuerte da las líneas y el agua tinta los tonos. Para los Disparates, se realizó el grabado sobre una foto, previamente tomada, del Capricho. El Disparate es la reinterpretación que Dalí hace sobre el trabajo de Goya.  

“…Dalí nos presenta sincrónicamente capricho y disparate en cada lámina: la crítica social del capricho integrada en el mundo surreal del mundo de la razón…”

FUNIBER

Obras:

Capricho #3: “Que viene el Coco”

Disparate: “No es verdad, a mí con esas, no…”

Tiene colores acromáticos como el negro, en el fondo. Al igual que los colores cálidos como el amarillo, el cual no se lo puedo apreciar, en la vestimenta de la mujer. Y el rosado o más bien tono piel. También está la presencia del color frío como el azul.

Tiene una temática de demanda social.

Hay dos maneras de interpretar a la obra:

• ·         El Coco representa a la educación, que es temeraria e infunde el miedo. Se lo puede apreciar en la expresión de los niños.

• ·         Mientras que el otro concepto es que el Coco, es el amante de la madre. La cual espera a que los niños se duerman para entablar algún encuentro. Esto es debido a la expresión del rostro de la madre.    

Capricho #7: “Ni a si lo distingue”

Disparate: “A si las fastidia”

Tiene colores cálidos como el amarillo y el rosado, en el círculo que rodea a la pareja. Esto es uno de los grafismos que Dalí añadió a los grabados, y que los catalogó como obscenos.

También está presencia de colores acromáticos como el negro, en la vestimenta de la mujer; y el blanco, en el caballero y  la niña.

El trabajo se puede interpretar de dos maneras:

• ·    La tibieza de las mujeres

• ·   El caballero representa a Goya y la mujer representa a La Duquesa del Alba, quien era su amor platónico.

Capricho #63: “Mire que grabes”

Disparate: “Goya”

Dispone del color frío como el azul en el fondo. Color cálido como el amarillo, el cual sobresale de toda la obra. Además de la presencia de colores acromáticos como el negro, en los cuerpos de los burros; y el blanco.

Los burros representan al pueblo, como animales de carga y la melancolía de los mismos. Sobre ellos está un ave de rapiña que es el clero, la aristocracia. Con este trabajo, lo que se quiere transmitir, es que el pueblo lleva a cuestas a los representantes del poder.

Tiene una temática de demanda a la Reforma Agraria y a la pobreza que desencadenó.

Capricho #42: “Tu que no puedes”

Disparate: “Piensa en el Angelus de Millet”

Posee un color frío que es el azul en el fondo. Colores acromáticos como el negro, en el cuerpo de la persona y en su sombra; y el blanco en el cuerpo de los burros.

Los burros ahora representan a la aristocracia, al clero. El pueblo está debajo de ellos. Da a entender que los grupos de poder no daban la seguridad necesaria para salir de la crisis.

Capricho#43 y Disparate: “El sueño de la razón produce monstruos”

Posee el acromático negro, en los búhos y del gris en el fondo. Colores cálidos como el amarillo en los demás búhos y leones que se encuentran en el fondo. Y del rojo, en la vestimenta de la persona que se encuentra dormida sobre la mesa.

El trabajo deja sobresalir la inteligencia inconsciente.

El hombre que se encuentra dormido es Goya, quien está cansado. Mientras que los búhos representan los sueños, quienes le traen material de trabajo.

Comentario:

El trabajo que se apreció de Dalí, es una parte no tan conocida del autor, que muestra un matiz diferente. En lo personal, me pareció  un poco extraño y no tan fácil de entender a simple vista. La utilización de animales  y de símbolos en varios grabados representan temas diferentes.  Todos los grabados reflejan una denuncia social sobre la crisis, pobreza, desigualdad e inseguridad. Se puede apreciar el malestar de los más oprimidos de una época.

Las Flores del Mal - Charles Baudelaire

Este libro es la recopilación de una serie de poemas del poeta Charles Baudeleire, quien perteneció al Simbolismo Francés. Un movimiento literario que se le consideró como el enemigo de la enseñanza y la falsa sensibilidad. 

Las flores de mal es un manifiesto de los sentimientos del autor frente a una época, en donde, se muestra a un hombre con una concepción distinta frente al mundo. Rompe con los esquemas antes establecidos, la métrica y rima ya no son tan respetados, ya que lo que importa es lo que se quiera expresar en su forma más real y cruda, sin retoques ni pudores. La utilización de símbolos, para que se expliquen mejor cada uno de sus poemas. Los poemas, más que nada, tratan de una problemática social, es decir, la prostitución, drogas, trastornos, temas oscuros, a los cuales el autor estaba expuesto y vivía en aquel medio. 

Poemas:

 Gotas de dolor

¿Cómo me explicas lo que se desliza en frente de mí?,

que va cayendo como gotas del cielo

y acarician ese delicado rostro,

al cual lo destroza y termina desgastado

por sentimientos mal evocados.

No se puede concebir cómo una gota de dolor, 

te puede destruir poco a poco hasta llegar a cenizas,

que el viento pronto las llevara.

Fragilidad

Cada vez que cierro los ojos,

se me vienen escenas que no puedo recordar

y cada vez, se dificulta más la tarea de pensar,

que me vuelvo más frágil que el cristal de mis recuerdos

y me arrimo al umbral de mi vida, para poder perecer en paz.

 Despojo

El camino se abre en frente de mí, 

mi sombra desaparece cada vez más, 

y mi vista se vuelve difusa, que no reconozco

 a la basura que dejo en el camino,

la que se quedará en esa nube espesa,

que me persigue y agobia, 

y de la cual no saldrá jamás.

Arquitectura Megalítica

La arquitectura megalítica hace referencia a la arquitectura que se da a finales del Neolítico y dura hasta la Edad de Bronce. En esta época se aprecia construcciones gigantes de piedra, es por ello, el término megalítico, que significa gran piedra. Este tipo de arquitectura tiene su origen en costumbres funerarias iniciadas en Oriente que se expandieron hasta Occidente. Estas construcciones se pueden ver en gran parte de Europa Occidental, principalmente en el sur de Inglaterra e Irlanda, al igual que al sur de España y Portugal. 

Se puede decir que estas construcciones megalíticas pueden ser consideradas como centro simbólico de estos grupos sociales. Hay que tomar en cuenta que estas civilizaciones, de las que no se tiene mucha información, no conocían la escritura ni una arquitectura avanzada.  Tiene diferentes tipos de construcción son: dolmen, menhir y crómlech. El dolmen  está formado por dos piedras grandes sin trabajar, clavadas en la tierra, paralelamente, sosteniendo una piedra plana, como un techo.  El dolmen adopta una forma de cueva, es donde enterraba a los cuerpos miembros del mismo grupo. El dolmen puede ser simple o de corredor, formado por una cámara circular. Puede llegar a tener una composición geométrica, de una cámara básica simple, circular, poligonal u ovoide.  El color es acromático, ya que las piedras son grises, pero pueden cambiar por el paso del tiempo debido a la humedad y los años.

El menhir es una piedra enorme clavada en la tierra perpendicularmente, que se cree que está ligado a lo religioso, al alma, a rituales funerarios o mágicos. Suele aparecer solamente una piedra o formando alineaciones, como en Carnac (Bretaña, Francia). Se han escuchados muchas leyendas relacionadas con los menhires.  Unos dicen que en las noches se desentierran y van hacia al mar para bañarse o beber. También se les ha atribuido poderes creativos o que podían brindar fertilidad. Tomando en cuenta los menhires de Carnac, tiene una composición lineal, ya que cada piedra esta una detrás de la otra, formando filas y columnas. La forma de cada menhir puede ser alargada o redondeada, o inclusive un poco irregular. Su color es acromático, por ser una roca, pero que se deteriora por el paso de los años.

El crómlech, en cambio, es una combinación de dólmenes y menhires que están clavados en la tierra, y ordenados de forma circular, como Stonehenge (Inglaterra). La mayoría parece ser de la Edad del Bronce. Los crómlech se han encontrado en India, Inglaterra y América. Se cree que también fueron utilizados con fines funerarios y que más tarde se convertirían en lugares sagrados o templos. Su composición es igualmente geométrica por adoptar una forma elíptica o circular. Las dimensiones varían de un sitio a otro. En Francia se pueden visitar crómlech con diámetros superiores a 100 metros. Los menhires que forman los crómlech varían en Francia entre 1 y más de 3 metros de alto.

La Capilla del Hombre

Oswaldo Guayasamín

Oswaldo Guayasamín, destacado artista ecuatoriano, se dedicó a la pintura,escultura, al grabado y a pintar murales. Nació el 6 de julio de 1919 y muere el 10 de marzo de 1999. Fue hijo de madre mestiza y padre indígena, fue el primero de diez hijos. Su capacidad artística se hace presente a muy temprana edad, cuando dibujaba caricaturas de sus profesores y compañeros de clase.
Ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito, a pesar de la oposición de su padre. En 1941, obtiene su diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. En 1971, es elegido como el presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Y en 1976, crea la Fundación Guayasamin en Quito. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, Estados Unidos, entre otros.
Entre sus obras están: "Potosí", "Arrasamiento", "Rostros de América", "Mutilados", "La Ternura", "Lágrimas de Sangre", "Ríos de Sangre","Miseria", "El Toro y el Cóndor", "Condenados de la Tierra", "Niña llorando I, II Y III", y muchas más.

Análisis contextual
Siglo XX en América Latina, es una época de revoluciones y dictaduras militares. Un cambio drástico en la población, existía pobreza, hambre, guerras y crisis. Guayasamín viajó a lo largo de América Latina y pudo observar la realidad de estos pueblos. es por ello, que su trabajo se divide en tres partes: el Huacayñan, el camino del llanto; la Edad de la Ira, refleja las guerras y violencias de los pueblo; y finalmente la Edad de la Ternura, la cual expresa el amor y la esperanza, y lo dedica a su madre y a las madres del mundo.

Análisis de imagen

Potosí - Oswaldo Guayasamín

Es un mural de composición centrípeta ya que todos los elemtos se dirgen hacia el centro de la obra y unitaria ya que los elementos interaccionan entre sí. Sus colores son acrmáticos, es decir, la utilización del negro, en su fondo, del gris para marcar a los elementos y al blanco para que resalten las figuras. Este mural está ubicado en la cúpula de la Capilla del Hombre. La temática de esta obra es cultural, ya que muestra la situación de un determinado pueblo.

"El Potosí", refleja las condiciones de las personas, los mineros, que trabajan en este cerro. Ellos crecían y morían en las minas sin volver a ver la luz del sol. Este mural fue pintado meses antes de su muerte, es por ello que está inconcluso, y han decidido dejarlo así. Lo que está de color gris, es lo que faltaba por pintar de este trabajo.

Autorretrato

Este es uno de los algunos autorretratos de Guayasamin. Fue pintado en óleo sobre tela. Este tiene una composición un poco geometría, las líneas de su expresión son rectas y muy marcadas que se pueden asemejar a figuras geométricas. Tiene colores fríos y acromáticos. Fríos como el verde y acromáticos como el blanco y el negro.

Este autorretrato fue pintado inicialmente en 1963, y solo era en blanco y negro. Y para 1965, Guayasamin le aumentó el verde, debido a la esperanza.

La Ternura

Esta obra fue pintada en óleo sobre tela. Este cuadro tiene una composición centrífuga, ya que los elementos se enfocan al centro de la imgen. También los rastros de sus rostros son un poco geométricos, ya que se pueden apreciar figuras como el oválo, el rectángulo. Sus colores son cálidos, ya que utiliza el color amarillo.

La idea de esta obra simboliza el amor de la madre hacia su hijos. Lo que denota es un cariño infinito y se puede apreciar solo en su rostro, el cual expresa ternura. Su hijo en medio de ella, para así tenerlo más cerca. Los colores cálidos canalizan el calor que siente cuando una madre abraza a su hijos y ese amor que se transmite.

Quito

Este es uno de los tantos Quitos que Guayasmamín pintó. Su composición es geométrica, ya que está llena de cuadrados y rectángulos que simbolizan las casas y barrios de Quito, con sus montañas y colinas. En cuanto a su color está compuesto de colores fríos y cálidos, y nos muestra el humor de la ciudad. La temática es cultural, ya que muestra a una ciudad en cuanto a su clima tan diverso. 

La idea era transmitir los diferentes estados de ánimo que tiene la ciudad, es decir, como cambia tan repentinamente a lo largo de un día.

Familia

Esta escultura tiene una composición geométrica, ya que existe la utilización de cuadrados y rectangulos para formar a un cuerpo humano y sus líneas son totalmente rectas y bien definidas. Su color es complementario, es bronce. La temática es el mestizaje, la mezcla de razas que se dio cuando los españoles nos conquistaron.

Esta obra simboliza la familia, a la derecha a la madre indígena con su trenza, a la derecha el padre español, con su barba y en el centro al hijo criollo, mestizo. 

Comentario:

En lo personal, me agrado bastante el trabajo de Guayasamín, ya que refleja la lucha de los pueblos latinoamericanos. El hambre, la angustia, la tristeza, la pobreza, las guerras, las dictaduras y torturas que han marcado nuestra historia. Sus obras tienen un matiz diferente, que impresiona y deja un mensaje bien claro en cualquiera de sus obras. Para muchos, su trabajo puede ser muy fuerte y duro, pero simplemente expresa una realidad.